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ग्राफिक डिजाइन क्या है?

ग्राफिक डिजाइन  संदेश और  ईमेज को मिलाकर कल्पनाशील  व्यक्त करने का एक तरीका है। आप किसी भी प्रकार की विज़ुअल सामग्री के लिए ग्राफिक डिज़ाइन का उपयोग कर सकते हैं।

डिजाइनर एक विशेष विचार को व्यक्त करने के लिए टाइपोग्राफी, शैलियों और चित्रों जैसी सुविधाओं पर काम करते हैं और उपयोग करते हैं  इसलिए संदेश को प्राप्त करने के दौरान सामग्री यथासंभव रचनात्मक होना है। सब कुछ जो एक निश्चित तरीके से दिखाया गया है, इसके पीछे एक डिजाइन विचार होता है ताकि यह दिखाई दे कि यह कैसे होता है।

सबसे अच्छा ग्राफिक डिजाइन सॉफ्टवेयर।

यदि आप किसी ग्राफिक डिज़ाइनर से यह सवाल पूछते हैं, तो वे आपको बताएंगे कि एडोब उत्पाद जैसे Adobe Illustrator, Photoshop and InDesign, सबसे महत्वपूर्ण हिस्सा जो वे सही होंगे। उच्च लागत के बावजूद, ये कार्यक्रम Apple और Windows दोनों प्रणालियों पर उच्च गुणवत्ता के हैं और Adobe के लिए ऐसा कुछ भी नहीं है जो इन कार्यक्रमों को सीखने के लिए पूरी तरह से महत्वपूर्ण है।

ग्राफिक डिज़ाइन का पता लगाने के लिए आपको सॉफ्टवेयर की आवश्यकता नहीं है। ग्राफिक डिजाइन सिद्धांत, इतिहास और अभ्यास के बारे में है।

ग्राफिक डिज़ाइनर बनने के लिए आप ग्राफिक डिज़ाइन का अध्ययन कर सकते हैं।

आप एक पेन और पेपर का उपयोग कर ग्राफिक डिज़ाइन कि शुरुआत कर  सकते हैं।

डिज़ाइन बनाने के लिए सॉफ्टवेयर केवल उपकरण या माध्यम है।

कुछ  सॉफ्टवेयर जो  ग्राफिक डिज़ाइनर  यूज़  करता हैं जैसे :

Adobe Photoshop

Aboob Illustrator – Vector Based

Adobe indesign

कुछ कोडिंग के लिए भी उपलब्ध हैं, जैसे:

Adobe after effects

Cinema 4D

Adobe premiere

Adobe Shensions

Adobe Dreamweaver

यह सब इस बात पर निर्भर करता है कि आप किस विशेषवाद के विशेषज्ञ होना चाहते हैं। वास्तव में एक अच्छा ग्राफिक डिजाइनर कैसे बनें?

यहां कुछ चीजें दी गई हैं जो आपको ग्राफिक डिजाइनर के रूप में प्रगति करने में मदद कर सकती हैं:

आप अपने से बेहतर और अनुभवी डिजाइनरों के साथ काम करें।

अभ्यास करते रहे 

ब्लॉग से या ऑनलाइन डिजाइन के बारे में पढ़ें।

अपनी इच्छानुसार शैलियों के नमूने एकत्र करें। पता लगाएँ कि कैसे परिभाषित करें कि आप डिज़ाइन की थोड़ी इच्छा क्यों करते हैं। यदि आप अपनी इच्छा के अनुसार कोई डिज़ाइन देखते हैं, तो यह पता लगाने का प्रयास करें कि इसका उत्पादन कैसे किया गया था। पाठ और अन्य तत्वों के अनुपात पृष्ठ से कैसे संबंधित हैं?

ध्यान केंद्रित करना सीखें। इसमें अपने साथियों, अपने पर्यवेक्षकों और अपने ग्राहकों से आलोचना करने का तरीका सीखना शामिल है। इसका मतलब यह है कि ग्राहक क्या कह रहा है, इसका ध्यान रखने के लिए उनके पास यह बताने के लिए शब्द / अवधारणा नहीं है कि उनका क्या मतलब है।

किसी प्रोजेक्ट के दौरान आपके द्वारा बनाए गए प्रत्येक डिज़ाइन विकल्प के लिए कारण हैं। एक बार जब आप स्पष्टीकरण समझ जाते हैं, तो आप बेहतर विकल्प बनाना शुरू कर देंगे। समझें कि आप जो कर रहे हैं उसका मूल्य है। लेआउट, रंग, टाइपोग्राफीबिजनेस मैनेजमेंट आर्टिकल्स सीखने में अधिक समय व्यतीत करें और वैचारिक सोच की तुलना में आप Illustrator and Photoshop में महारत हासिल करें।

Bad Graphic Design

Bad Graphic Design – A Must Read Guide For Serious Web Masters and Graphic Designers

Bad graphic design is clearly one thing you wish to keep away from in any respect prices. Sometimes if you rent a person or a graphic design or web design company or artist to do a graphic design job for you, as a shopper you find yourself with an unprofessional web site or design, leaving you without a correct web site or design and without the cash you initially invested within the Web venture. If you’re a graphic designer or Web designer, then ensure to offer 100% on each design venture that comes throughout your desk. If you get a repute for creating superior work, you can cost a considerable quantity extra, which might then result in the occasional referrals from the enterprises. If you create a poor web design or poor graphic designs then you most likely will not get any enterprise or must retain what you are promoting at a lot of decrease charges than your rivals.

What you are able to do to beef up you are Graphic designs or Web design enterprise, with a view to retaining a bigger clientele, is to start out a small advertising marketing campaign. Try the experiment with new issues, alter what works, and what does not You may create adverts and distribute them by way of varied mediums like e-mail, door 2 door, flyers, banner adverts, and many others. When doing so be sure to are focusing on the right viewers. It’s vital for each enterprise to find out about demographics and analyze and analysis what you are shopper’s are in search of and making an attempt to meet your purchaser’s precise wants.

The methodology of acquiring an enterprise and retaining it’s actually easy; it is a mixture of many varieties of advertising methods and having an awesome Web presence and firm Identity. Many firms have knowledgeable Web designer or graphic designer to design a company identification package deal for them as a result of its everlasting. Your identification can’t be modified later down the street, if an organization modified their emblem or identification then prospects wouldn’t acknowledge or establish the previous firm identification with the brand new one, this may be extraordinarily damaging for an enterprise. Having a poor Identity design or Web design from the beginning can break an enterprise for all times and anybody who has an enterprise ought to keep away from having a non-skilled design their identification or website in any respect value.

What set’s an awesome graphic designer aside from a poor graphic designer is the motivation and the willingness to finish the work that is wanted to be executed. Ambition is the important thing to my success as a designer I take pleasure in what I do and am always investing in my talent by studying new graphic design and Web design software program, ideas and methods or no matter I must know to make my designs higher. It’s vital that potential purchasers or anybody within the Web design or graphic design enterprise perceive that whereas some people could have been skilled and maintain levels as graphic and Web designers, It doesn’t certify them as a very good designer. An expert Web designer or a graphic designer already is aware of the ideas of excellent design this can’t be taught in a classroom. So in case you are trying to rent somebody to design websites or graphic design be sure to overview their on-line graphic design or Web design portfolio earlier than you go right into a contract for Web design or graphic design providers or pay them to finish any design providers.

If you wish to rent a graphic designer as part of your full-time employees, then a steered follow is to offer them a demo or dummy venture to design as a check of talent. There is nothing worse than hiring a person on the idea of their on-line portfolio however solely later to search out they didn’t design what was In their portfolio. When hiring anybody its finest to verify their earlier employment background and ideally it’s best to require a letter of advice from both their University or their earlier employer, this ensures you are recruiting efforts are a profitable one.

Why is a dangerous graphic design all around the Web? This is especially as a result of enterprise don’t wish to make investments the preliminary value in creating a correct Web presence or company identification. Many firms do not realize how vital the 2 actually are. Bad graphic design or dangerous Web design provides you are prospects an affordable impression. Would you purchase from a bodily retailer that was messily soiled or had an unprofessional look or really feel? No, you would not, you most likely preserve your bodily workplace in tip-prime form. So why would not you wish to do the identical to your Web presence and Identity?

You should perceive as an enterprise your identification and Web presence is simply as vital as your bodily presence if no more vital. Studies present that greater than 90% of the inhabitants do an on-line analysis of an enterprise earlier than they purchase. If you are enterprise is non-existent otherwise you’re website is poorly designed, likelihood is that potential shopper or enterprise is not going to even think about shopping for something from you.

Think about dangerous graphic design for a minute, then browse the online for not less than an hour go forward and randomly kind completely different phrases within the search engine, go to as many websites as you’ll be able to. Then go forward and write down the very first thing that comes into your thoughts if you see these websites copy the URLS as nicely. Then return and overview the knowledge you collected.

You will understand from the research that opinions are fashioned primarily based on the visual enchantment of the website and never essentially on the merchandise provided. So having dangerous graphic design or Web designs related to you are enterprise identification will not be a really worthwhile one in any respect. What is much more doubtlessly damaging to an organization is having no identification or on-line presence in any respect.

Bad graphic design and dangerous Web design might be prevented by investing in the appropriate graphic designer or Web design freelance contractor, or graphic design company. Bad graphic design or dangerous Web design can doubtlessly hurt or put you prone to shedding potential prospects or purchasers. Avoid dangerous graphic design or Web design in any respect prices.

विजुअल डिजाइनर और ग्राफिक डिजाइनर में काया अंतर है - और कौन क्या क्यों करता है?

विजुअल डिजाइनर और ग्राफिक डिजाइनर में काया अंतर है – और कौन क्या क्यों करता है?

हलाकि ग्राफिक डिजाइनर और विज़ुअल डिज़ाइनर समान भूमिकाओं की तरह लग सकते हैं, इन दोनों नौकरियों के बीच कुछ महत्वपूर्ण अंतर हैं। यदि आप डिजाइन में करियर बनाने पर विचार कर रहे हैं, तो यह जरूरी है कि आप इन अंतरों को समझें ताकि आप उस काम को चुन सकें जो आपके हितों के अनुकूल हो। चलिए विजुअल डिज़ाइनर बनाम ग्राफिक डिज़ाइनर की तुलना करते हैं ताकि आप अपना आदर्श कैरियर मार्ग निर्धारित कर सकें! 

ग्राफिक डिजाइनर क्या है?

ग्राफिक डिजाइनर का लक्ष्य पाठ और छवियों के उपयोग के माध्यम से ग्राहकों को एक विचार संवाद करना है। यह काम नवीनतम डिजिटल नवाचारों से पहले के आसपास रहा है – ग्राफिक डिजाइनरों ने पारंपरिक रूप से प्रिंट मीडिया के लिए सामग्री के उत्पादन पर ध्यान केंद्रित किया है। उदाहरणों में पत्रिकाएं, ब्रोशर और कैटलॉग शामिल हैं। 

इनका उपयोग विज्ञापन बनाने के लिए भी किया जाता है। अपना काम करते समय, ग्राफिक डिजाइनर फोंट, रंग, चित्र और शब्दों का चयन करने के लिए प्रभारी होते हैं जो वे पाठकों को अपना संदेश देते समय उपयोग करते हैं। 

क्योंकि वेब डिज़ाइन संचार का एक लोकप्रिय रूप बन गया है, ग्राफिक डिज़ाइनरों ने वेब डिज़ाइन जैसी नई सेवा पेशकशों में विस्तार किया है। वास्तव में, कई ग्राफिक डिजाइनर अब एक वेबसाइट डिजाइन करने में सक्षम हैं। आज, वेब डिज़ाइन का ज्ञान ग्राफिक डिजाइनरों के लिए उतना ही महत्वपूर्ण है जितना कि उनके ज्ञान के पारंपरिक क्षेत्र। 

विज़ुअल डिज़ाइनर क्या है?

ग्राफिक डिजाइनरों के विपरीत, विज़ुअल डिजाइनर पूरी तरह से डिजिटल मीडिया पर ध्यान केंद्रित करते हैं। वे संगठन की ऑनलाइन उपस्थिति के रूप और स्वरूप को डिजाइन करने के लिए जिम्मेदार हैं। 

विज़ुअल डिजाइनरों को डिज़ाइन दुनिया की “समस्या हल करने वाली” के रूप में भी जाना जाता है क्योंकि वे संगठन की डिज़ाइन रणनीति बनाते हैं और यह निर्धारित करते हैं कि ब्रांड की उपयोगता  में क्या किया जाता है। जबकि ग्राफिक डिज़ाइनर का लक्ष्य प्रत्येक प्रोजेक्ट में एक विशिष्ट संदेश देना होता है, लेकिन विज़ुअल डिज़ाइनरों का लक्ष्य डिजिटल प्लेटफ़ॉर्म पर विशिष्ट ब्रांड की प्रोत्साहन को व्यक्त करना होता है। 

विज़ुअल डिजाइनर जो सामान्य रूप से उत्पादन करने की उम्मीद करते हैं, उनमें आइकन, लोगो और प्रस्तुतियाँ शामिल हैं। 

विज़ुअल डिज़ाइन और ग्राफिक डिज़ाइन के बिच अदला बदली 

क्योंकि ये दोनों व्यवसाय सौंदर्यशास्त्र पर ध्यान केंद्रित करते हैं, वे अक्सर एक दूसरे के साथ भ्रमित होते हैं। इंटरनेट पर संचार की लोकप्रियता के कारण हाल के दिनों में दो व्यवसायों के बीच की रेखाएं विशेष रूप से धुंधली हो रही हैं। ग्राफिक डिज़ाइनर वेब डिज़ाइन की ओर बढ़ते हुए, बहुत सारे काम करते हैं जो वे उन कार्यों के साथ ओवरलैप करते हैं जो विज़ुअल डिज़ाइनर डिजिटल प्लेटफ़ॉर्म पर करते हैं।  

मुख्य अंतर

पहला बड़ा अंतर यह है कि इनमें से प्रत्येक पेशे में प्रवेश  ग्राफिक डिजाइनर आओर  विज़ुअल डिजाइनर का उद्देश्य उपभोक्ताओं को एक विशिष्ट संदेश देना है। दूसरी ओर, दृश्य डिजाइनर, डिजिटल संचार प्लेटफार्मों में ब्रांड के लिए एकीकृत छवि को तैयार करने के लिए जिम्मेदार हैं। इसलिए ब्रांड की प्रोत्साहन, लुक और फील को लगातार बनाये  रखने  की जरूरत है। 

दूसरा बड़ा अंतर संचार के विभिन्न माध्यम हैं जिनमें वे शामिल हैं। ग्राफिक डिजाइनर मूल रूप से अखबारों और पत्रिकाओं जैसे प्रिंट मीडिया में शामिल थे, और अब केवल वेब डिजाइन में विस्तार कर रहे हैं। हालांकि, विज़ुअल डिजाइनरों ने हमेशा डिजिटल प्लेटफार्मों पर ध्यान केंद्रित किया है। उनके काम का पारंपरिक प्रिंट मीडिया से कोई संबंध नहीं है। 

ग्राफिक डिजाइनरों से अपेक्षा की जाती है कि वे प्रत्येक परियोजना के लिए एक अनूठा संदेश तैयार करें। यह एक आवश्यकता नहीं है कि विज़ुअल  डिजाइनर के अनुसरण करते हैं, हालांकि, जैसा कि वे एक एकीकृत प्रयोजन  बनाने के साथ अधिक चिंतित हैं जो डिजिटल चैनलों में प्रस्तुत किया जाता है । 

Infographic by www.toptal.com

इन करियर के लिए क्या आवश्यकताएं हैं?

ग्राफिक डिजाइनर

ग्राफिक डिज़ाइनर बनने के लिए आपके पास जो कौशल होने चाहिए, उनमें डिज़ाइन सॉफ्टवेअर जैसे कि: फ़ोटोशॉप, इलस्ट्रेटर, इनडिजाइन, एफिनिटी डिज़ाइनर और एफिनिटी फोटो शामिल हैं। 

आपको ग्राफिक डिजाइन में स्नातक की डिग्री उत्तीर्ण  करने पर भी विचार करना चाहिए।

जबकि कोडिंग का ज्ञान एक आवश्यकता नहीं है, अगर आप वेब डिज़ाइन के पहलुओं में शामिल हो जाते हैं तो यह फायदेमंद साबित हो सकता है। HTML और CSS कोडिंग भाषाओं के लोकप्रिय उदाहरण हैं जिन्हें आप सीख सकते हैं। 

विज़ुअल डिजाइनर

एक विज़ुअल डिजाइनर बनने के लिए, कई विश्वविद्यालय डिग्री प्रदान करता हैं जिन्हें आप अध्ययन करने पर विचार कर सकते हैं। ग्राफिक डिजाइन, फाइन आर्ट, एडवरटाइजिंग, और कम्यूनिकेसन्स  के सभी फील्ड हैं जिन पर आप विजुअल डिजाइनर बन सकते है । 

 विश्वविद्यालय द्वारा किया  पेशकश जैसे  की बिजनेस एडमिनिस्ट्रेशन की डिग्री में विज्ञान के स्नातक भी लायक है। यह डिग्री व्यावसायिक संचार और विपणन जैसे पाठ्यक्रम प्रदान करता है जो आपको विज़ुअल डिज़ाइनर के रूप में अपनी जिम्मेदारियों को बेहतर ढंग से समझने में मदद करेगा। 

कुछ  विश्वविद्यालय के माध्यम से अध्ययन के बारे में महान बात यह है कि सभी पाठ्यक्रम 100% ऑनलाइन और ट्यूशन-मुक्त हैं, जिससे आप अध्ययन करते समय अन्य नौकरी की आवश्यकताओं को पूरा करते हुए कर सकते  हैं। 

अन्य कौशल जिन्हें आपको फ़ोटोशॉप, स्केच, इलस्ट्रेटर और एडोब एक्सडी में शामिल करना चाहिए। कोडिंग कि  आवश्यकता नहीं है क्योंकि आप एक विज़ुअल डिजाइनर के रूप में जो काम करेंगे, उसमें कोडिंग शामिल नहीं होगी।

प्रत्येक डिजाइनर कितना कमाता  है?

ग्राफिक डिजाइनर 

ग्लासडोर के अनुसार, एक औसत वेतन जिसे आप ग्राफिक डिजाइनर के रूप में कमाने  की उम्मीद कर सकते हैं, रु १५,००००  प्रति वर्ष है। 

प्रवेश स्तर के ग्राफिक डिज़ाइन पदों पर लोग प्रति वर्ष लगभग रु  35,000 प्रति  महीना कमाने की उम्मीद कर सकते हैं, जबकि शीर्ष ग्राफिक डिजाइनर प्रति वर्ष रु  १२० ,000  प्रति  महीना से अधिक कमा सकते हैं।

विज़ुअल  डिजाइनर 

विज़ुअल डिजाइनर अपने ग्राफिक डिजाइन समकक्षों की तुलना में काफी अधिक कमाने के लिए खड़े होते हैं। ग्लासडोर पर दृश्य डिजाइनरों के लिए औसत वेतन रु २०,००००  प्रति वर्ष है। 

एक एंट्री-लेवल विज़ुअल डिज़ाइनर लगभग रु  २५ ,०००  प्रति  महीना कमाता है। शीर्ष दृश्य डिजाइनर प्रति वर्ष लगभग रु  १,७० ,000  प्रति  महीना कमाने की उम्मीद कर सकते हैं। 

अन्य डिज़ाइन करियर जो आपको रुचि दे सकते हैं  

  1. यूआई / यूएक्स डिजाइनर

यूएक्स डिजाइनर  या यूआई डिजाइनर उस तरीके को अनुकूलित करने पर ध्यान केंद्रित करते हैं यूजर  किसी वेबसाइट के साथ कमिनिस्टशन करते हैं। वे यह निर्धारित करेंगे कि क्या होता है जब यूजर एक बटन पर क्लिक करते हैं और साथ ही वेबसाइट पर उपयोग किए जाने वाले रंग, आकार, आकार, और फ़ॉन्ट। ऐसे डिजाइनरों का लक्ष्य वेबसाइट को उपयोग में आसान और आकर्षक बनाना है।

  1. डिजिटल कलाकार 

यह वह व्यक्ति है जो कलाकृति का एक रूप बनाने के लिए प्रौद्योगिकी का उपयोग करता है। इसके उदाहरणों में फ़ोटोशॉप का उपयोग करके तस्वीरों को बढ़ाना, वीडियो गेम के पात्रों को डिजाइन करना और एनिमेशन बनाना शामिल है। डिजिटल कलाकार ग्राफिक्स का उत्पादन करते हैं जो मल्टीमीडिया में समृद्ध होते हैं, जैसे ध्वनि प्रभाव, वीडियो और चित्र। 

आपके लिए कौन सा करियर बेस्ट है?

कोई फर्क नहीं पड़ता कि आपकी प्राथमिकताएं क्या हैं, यह विचार करना महत्वपूर्ण है कि डिजिटल दुनिया में पारंपरिक ग्राफिक डिजाइन नौकरियां कम आम होती जा रही हैं। वेब कौशल की मांग बढ़ रही है, जबकि प्रिंट मीडिया गिरावट की ओर है। 

यदि आप कोडिंग में रुचि रखते हैं, तो UX / UI डिज़ाइनर होना आपके लिए काम हो सकता है। यदि आप ऐसे व्यक्ति हैं जो डिज़ाइन की दुनिया के कलात्मक पहलुओं में अधिक रुचि रखते हैं, तो एक विज़ुअल  डिजाइनर, ग्राफिक डिजाइनर या डिजिटल कलाकार होने के नाते बेहतर फिट हो सकते हैं। साथ ही, अगर आपको कोडिंग में कोई दिलचस्पी नहीं है, तो आपको इन तीनों में से कोई भी काम करने के लिए कोड करना नहीं सीखना होगा। 

आप जो भी रास्ता चुनते हैं, कई डिजाइनिंग नौकरियां हैं जिन्हें आप चुन सकते हैं, जिनमें से प्रत्येक रचनात्मक दिमाग वाले लोगों को प्रतिस्पर्धी वेतन और महान भत्ते प्रदान करता है।

आप कुछ टुटोरियल्स यहाँ देख सकते हैं

https://ixdzone.com/category/tutorials/photoshop/

https://ixdzone.com/category/tutorials/illustrator/

https://ixdzone.com/category/tutorials/corel-draw/

https://ixdzone.com/category/tutorials/prototype/

https://ixdzone.com/category/tutorials/css3-and-scss/

https://ixdzone.com/category/tutorials/html-and-html-5/

ग्राफिक डिजाइन क्या है: ग्राफिक डिजाइन का इतिहास और मूल?

ग्राफिक डिजाइन क्या है: ग्राफिक डिजाइन का इतिहास और मूल?

ग्राफिक डिजाइन एक ऐसा पेशा है जिसका व्यवसाय डिजाइनिंग, प्रोग्रामिंग का कार्य है और दृश्य संचार का निर्माण करता है, जो आमतौर पर औद्योगिक माध्यमों द्वारा निर्मित होता है और विशिष्ट सामाजिक समूहों को एक स्पष्ट उद्देश्य के साथ विशिष्ट संदेश देने का इरादा रखता है। यह वह गतिविधि है जो रूप और संचार, सामाजिक, सांस्कृतिक, आर्थिक, सौंदर्य और तकनीकी के संदर्भ में संसाधित और संश्लेषित विचारों, तथ्यों और मूल्यों को चित्रित करने में सक्षम बनाती है। विज़ुअल कम्युनिकेशन डिज़ाइन के रूप में भी जाना जाता है, क्योंकि कुछ शब्द केवल मुद्रण उद्योग से जुड़ते हैं, और समझते हैं कि दृश्य संदेश कई मीडिया के माध्यम से प्रसारित होते हैं, न कि केवल प्रिंट।

सूचना के आदान-प्रदान में बड़े पैमाने पर और तेजी से वृद्धि को देखते हुए, ग्राफिक डिजाइनरों की मांग पहले से कहीं अधिक है, विशेष रूप से क्योंकि नई प्रौद्योगिकियों के विकास और मानव कारकों पर ध्यान देने की आवश्यकता है जो इंजीनियरों की क्षमता से परे हैं जो उन्हें विकसित करते हैं। ।

कुछ वर्गीकरण व्यापक रूप से ग्राफिक डिजाइन का उपयोग करते हैं: विज्ञापन डिजाइन, संपादकीय डिजाइन, कॉर्पोरेट पहचान डिजाइन, वेब डिजाइन, पैकेजिंग डिजाइन, टाइपोग्राफिक डिजाइन, साइनेज डिजाइन, मल्टीमीडिया डिजाइन, अन्य।

ग्राफिक डिजाइन इतिहास

ग्राफिक डिजाइन पेशे की परिभाषा बल्कि हालिया है, जो उनकी तैयारी, उनकी गतिविधियों और लक्ष्यों की चिंता करता है। हालांकि ग्राफिक डिजाइन के जन्म की सही तारीख पर कोई सहमति नहीं है, कुछ अंतरवार अवधि के दौरान डेटिंग करते हैं। अन्य लोग समझते हैं कि उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इस तरह की पहचान शुरू होती है।

संभवतः विशिष्ट ग्राफिक संचार उद्देश्यों का मूल पैलियोलिथिक गुफा चित्रों और तीसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व में लिखित भाषा का जन्म है।  लेकिन काम करने के तरीकों और प्रशिक्षण में आवश्यक सहायक विज्ञान के अंतर ऐसे हैं कि प्रागैतिहासिक आदमी के साथ xylograph पंद्रहवीं शताब्दी या लिथोग्राफर 1890 के साथ वर्तमान ग्राफिक डिजाइनर को स्पष्ट रूप से पहचानना संभव नहीं है।

राय की विविधता इस तथ्य को दर्शाती है कि कुछ लोग ग्राफिक डिजाइन और अन्य सभी चित्रमय प्रदर्शन के उत्पाद के रूप में देखते हैं जो केवल औद्योगिक उत्पादन के एक मॉडल के आवेदन के परिणामस्वरूप उत्पन्न होते हैं, उन दृश्य अभिव्यक्तियों को जिन्हें “अनुमानित” अनुमान लगाया गया है। विभिन्न प्रकार: उत्पादक प्रतीकात्मक ergonomic प्रासंगिक आदि

ग्राफिक डिजाइन का  पृष्ठभूमि

बुक ऑफ कलीग्स का एक पृष्ठ: सजाए गए पाठ के साथ फोलियो 114, ट्यूनक डक्टिस शामिल हैं। मध्य युग की कला और पृष्ठ लेआउट का एक उदाहरण।

द बुक ऑफ कल्स – नौवीं शताब्दी सीई में आयरिश भिक्षुओं द्वारा बड़े पैमाने पर लिखी गई एक बाइबिल हस्तलिपि ग्राफिक डिजाइन अवधारणा के कुछ बहुत ही सुंदर और शुरुआती उदाहरण के लिए है। यह महान कलात्मक मूल्य, उच्च गुणवत्ता का एक ग्राफिक प्रदर्शन है, और यहां तक ​​कि डिजाइन के लिए सीखने के लिए एक मॉडल-यहां तक ​​कि वर्तमान-संपादकीय प्रस्तुतियों में से कई के लिए गुणवत्ता से बढ़कर है, और एक कार्यात्मक दृष्टिकोण से भी समकालीन है, यह ग्राफिक टुकड़ा जवाब देता है सभी जरूरतों के लिए इसे बनाने वाले लोगों की टीम को प्रस्तुत किया गया, हालांकि अन्य लोगों का मानना ​​है कि यह ग्राफिक डिजाइन उत्पाद होगा, क्योंकि वे समझते हैं कि उनके डिजाइन को वर्तमान ग्राफिक डिजाइन परियोजना के विचार से समायोजित नहीं किया गया है।

टाइपोग्राफी का इतिहास-और सकर्मक, पुस्तक का इतिहास भी-ग्राफिक डिज़ाइन से निकटता से जुड़ा हुआ है, इसका कारण यह हो सकता है कि वास्तव में कोई ग्राफिक्स डिज़ाइन नहीं हैं जिनमें ऐसे आइटम ग्राफिक्स शामिल नहीं हैं। इसलिए, जब ग्राफिक डिजाइन के इतिहास के बारे में बात की जाती है, तो टाइपोग्राफी में ट्रोजन कॉलम, मध्ययुगीन लघुचित्र, जोहान्स गुटेनबर्ग के प्रिंटिंग प्रेस, पुस्तक उद्योग के विकास, पोस्टर पेरिसियन आर्ट मूवमेंट एंड क्राफ्ट्स (आर्ट्स एंड क्राफ्ट्स), विलियम मॉरिस, बॉहॉस का भी हवाला दिया गया। , आदि.. “

जोहानस गुटेनबर्ग द्वारा चल प्रकार की शुरूआत ने पुस्तकों को उत्पादन करने और उनके प्रसार की सुविधा के लिए सस्ता बना दिया। पहली मुद्रित पुस्तकों (इंकुनाबुला) ने बीसवीं शताब्दी में रोल मॉडल का निर्माण किया। उस समय के प्रमुख दार्शनिक विद्यालय के कारण इस युग का ग्राफिक डिज़ाइन पुरानी शैली (विशेषकर वे टाइपफेस जो इन शुरुआती टाइपोग्राफ़रों का उपयोग किया जाता है) या मानवतावादी के रूप में जाना जाता है।

गुटेनबर्ग के बाद, उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक, विशेष रूप से ब्रिटेन में कोई महत्वपूर्ण परिवर्तन नहीं देखा गया था, ठीक और लागू कलाओं के बीच एक स्पष्ट विभाजन बनाने का प्रयास था।

19 वीं सदी में ग्राफिक डिजाइन

जॉन रस्किन की पुस्तक “द नेचर ऑफ गॉथिक” का पहला पृष्ठ, केल्म्सकॉट प्रेस द्वारा प्रकाशित। कला और शिल्प का उद्देश्य मध्ययुगीन कला, प्रकृति और मैनुअल श्रम में प्रेरणा को पुनर्जीवित करना था।

उन्नीसवीं शताब्दी के दौरान दृश्य संदेश डिजाइन को वैकल्पिक रूप से दो पेशेवरों को सौंपा गया था: कलाकार या प्रकाशक। पहला एक कलाकार के रूप में और दूसरा एक शिल्पकार के रूप में बनाया गया था, अक्सर कला और शिल्प दोनों समान विद्यालयों में। प्रिंटर के लिए कला के रूप में आभूषणों का उपयोग और उनकी रचनाओं में मुद्रित फोंट का चयन करना था। कलाकार ने टाइपोग्राफी को एक बच्चे के रूप में देखा और सजावटी और आकर्षक तत्वों पर अधिक ध्यान दिया।

1891 और 1896 के बीच, विलियम मॉरिस केल्म्सकोट प्रेस ने कुछ सबसे महत्वपूर्ण ग्राफिक उत्पादों आर्ट्स एंड क्राफ्ट्स मूवमेंट (कला और शिल्प) को प्रकाशित किया, और महान शैलीगत शोधन की पुस्तकों के डिजाइन और उन्हें उच्च वर्गों को बेचने के आधार पर एक आकर्षक व्यवसाय स्थापित किया। लक्जरी आइटम के रूप में। मॉरिस ने साबित किया कि ग्राफिक डिजाइन के कामों के लिए एक बाजार मौजूद था, जो उत्पादन और डिजाइन से अलग डिजाइन की स्थापना करता था। केल्म्सकोट प्रेस का काम ऐतिहासिक शैलियों के अपने मनोरंजन की विशेषता है, विशेष रूप से मध्ययुगीन।

पहला ग्राफिक डिजाइन 

पेरिस में मौलिन रूज के लिए पोस्टर। 1891 में रंग लिथोग्राफी के साथ हेनरी डे टूलूज़-लॉट्रेक द्वारा निर्मित। कला नोव्यू के लिए धन्यवाद, रचना द्वारा प्राप्त ग्राफिक डिजाइन और दृश्य स्पष्टता।

बाऊहौस का आदर्श वाक्य। वाल्टर ग्रोपियस द्वारा 1919 में स्थापित, ग्राफिक डिज़ाइन पेशे का जन्मस्थान माना जाता है।

मैटिनी के लिए पोस्टर दिया। जनवरी 1923 में थियो वैन डोस्बर्ग द्वारा निर्मित। मुक्त फ़ॉन्ट संगठन, स्वतंत्रता के लिए दादा आंदोलन, तर्कहीनता की भावना व्यक्त करता है और उस समय की यथास्थिति और दृश्य अभिव्यक्ति का विरोध करता है।

एचएफजी उल्म के विकास समूह 5 द्वारा लुफ्थांसा के लिए कॉर्पोरेट पहचान डिजाइन। उलम स्कूल डिजाइन के इतिहास में एक विभक्ति बिंदु था, क्योंकि वैज्ञानिक पद्धति के माध्यम से डिजाइन पेशे की रूपरेखा है।

संयुक्त राज्य अमेरिका के राष्ट्रीय उद्यान सेवा के लिए वर्तमान चित्रलेख डिजाइन। 1950 के दशक के दौरान विकसित प्रतीकों रूपों को सरल बनाने का विचार।

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की डिजाइन, साथ ही इसी अवधि की ललित कला, उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की टाइपोग्राफी और डिजाइन की गिरावट के खिलाफ एक प्रतिक्रिया थी।

अलंकरण में रुचि और माप परिवर्तन और टंकण शैली एक टुकड़ा डिजाइन का प्रसार, अच्छे डिजाइन का पर्याय, यह एक विचार था जो उन्नीसवीं सदी के अंत तक बना रहा था। आर्ट नोव्यू, अपनी स्पष्ट इच्छा शैली के साथ एक आंदोलन था जिसने उच्च क्रम दृश्य संरचना में योगदान दिया। औपचारिक जटिलता के उच्च स्तर को बनाए रखते हुए, एक मजबूत दृश्य स्थिरता के भीतर ऐसा किया, एक ग्राफिक टुकड़े में टाइपोग्राफिक शैलियों की भिन्नता को त्याग दिया।

बीसवीं शताब्दी के दूसरे दशक के कला आंदोलनों और उनके साथ आने वाली राजनीतिक उथल-पुथल ने ग्राफिक डिजाइन में नाटकीय परिवर्तन उत्पन्न किए। दादा, डी स्टिजल, सुप्रेमेटिज़्म, क्यूबिज़्म, कंस्ट्रक्टिविज़्म, फ्यूचरिज़्म, बॉहॉस और एक नई दृष्टि बनाई जिसने दृश्य कला और डिजाइन की सभी शाखाओं को प्रभावित किया। इन सभी आंदोलनों ने सजावटी कला और लोकप्रिय, साथ ही साथ आर्ट नोव्यू का विरोध किया, जो कि ज्यामिति में नई रुचि के प्रभाव में आर्ट डेको में विकसित हुआ। ये सभी आंदोलन उस समय की सभी कलाओं में एक संशोधनवादी और परिवर्तनशील भावना थे। इस अवधि में प्रकाशनों और घोषणापत्रों का प्रसार हुआ जिसके माध्यम से कलाकारों और शिक्षकों ने अपनी राय व्यक्त की।

1930 के दशक के दौरान ग्राफिक डिजाइन की रचना के दिलचस्प पहलुओं के लिए विकसित किया गया। ग्राफिक शैली में बदलाव महत्वपूर्ण था, क्योंकि यह पारिस्थितिकवाद सजावटी जैविकवाद और समय के खिलाफ एक प्रतिक्रिया दिखाता है और अधिक छीनने और ज्यामितीय प्रस्तावित करता है। यह शैली, कंस्ट्रिक्टिविज़्म, सुप्रेमेटिज़्म, नियोप्लास्टिज्म, डी स्टिजल और बाउहॉस के साथ जुड़ी हुई थी, जो बीसवीं सदी के ग्राफिक डिजाइन के विकास में एक स्थायी प्रभाव और अपरिहार्य थी। व्यावसायिक अभ्यास के संबंध में एक अन्य महत्वपूर्ण तत्व, संचार तत्व के रूप में दृश्य रूप का बढ़ता उपयोग था। यह आइटम ज्यादातर दादा और डी स्टिजल द्वारा निर्मित डिजाइनों में दिखाई दिया।

आधुनिक टाइपोग्राफी का प्रतीक सैंस सेरिफ़ फ़ॉन्ट या सेरिफ़ है, जो उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के औद्योगिक प्रकारों से प्रेरित है। मुख्य आकर्षण में लंदन अंडरग्राउंड के लिए फ़ॉन्ट के लेखक एडवर्ड जॉनसन और एरिक गिल शामिल हैं।

डिजाइन स्कूल

जान सेंचिचॉल्ड ने अपनी 1928 की किताब, न्यू टाइपोग्राफी में आधुनिक टाइपोग्राफी के सिद्धांतों को अपनाया। बाद में उन्होंने इस पुस्तक में प्रस्तुत दर्शन को फासीवादी कहा, लेकिन बहुत प्रभावशाली रहा। हरबर्ट बेयर, जिन्होंने 1925-1928 से बॉहॉस में टाइपोग्राफी और विज्ञापन कार्यशाला की शुरुआत की, ने एक नए पेशे के लिए परिस्थितियां बनाईं: ग्राफिक डिजाइनर। उन्होंने शिक्षा कार्यक्रम में अन्य चीजों के साथ, विज्ञापन मीडिया के विश्लेषण और विज्ञापन के मनोविज्ञान सहित विषय “विज्ञापन” डाला। विशेष रूप से, ग्राफिक डिज़ाइन शब्द को परिभाषित करने वाले पहले डिजाइनर और टाइपोग्राफर विलियम एडिसन डाइविगिन्स थे।

इस प्रकार सिलीचोल्ड, हर्बर्ट बेयर, लेज़्ज़्लो मोहोली-नागी और एल लिस्ज़ित्की ग्राफिक डिज़ाइन के माता-पिता बन गए जैसा कि हम आज जानते हैं। उन्होंने उत्पादन तकनीकों और शैलियों का बीड़ा उठाया है जो बाद में उपयोग करते रहे हैं। आज, कंप्यूटरों ने नाटकीय रूप से उत्पादन प्रणालियों को बदल दिया है, लेकिन प्रयोगात्मक डिजाइन में योगदान देने वाले दृष्टिकोण कभी भी गतिशीलता, प्रयोग और यहां तक ​​कि बहुत विशिष्ट चीजों जैसे फोंट को चुनने से अधिक प्रासंगिक हैं (हेल्वेटिका एक पुनरुद्धार है, मूल रूप से उन्नीसवीं शताब्दी के औद्योगिक पर आधारित एक टाइपोग्राफी डिजाइन है। ) और ओर्थोगोनल रचनाएँ।

बाद के वर्षों में आधुनिक शैली ने स्वीकृति प्राप्त की, जबकि स्थिर रही। आधुनिक डिजाइन के मध्ययुगीन में उल्लेखनीय नाम एड्रियन फ्रूटिगर, टाइपफेस यूनिवर्सिटी और फ्रूटिगर के डिजाइनर, और जोसेफ मुलर-ब्रॉकमैन, पचास और साठ के दशक के बड़े पोस्टर हैं।

उल्म में होच्स्चुले फर गेस्टाल्टुंग (एचएफजी) ग्राफिक डिजाइन पेशे के विकास में एक और महत्वपूर्ण संस्थान था। इसकी स्थापना के बाद से, एचएफजी ने विज्ञापन के साथ एक संभावित संबद्धता से खुद को दूर कर लिया। शुरुआत में, संबंधित विभाग को विज़ुअल डिज़ाइन कहा जाता था, लेकिन यह जल्दी से स्पष्ट हो गया कि उनका वर्तमान लक्ष्य शैक्षणिक वर्ष 1956-1957 में जन संचार के क्षेत्र में डिजाइन की समस्याओं को हल करना था, नाम बदलकर दृश्य संचार विभाग के लिए मॉडल तैयार किया गया था। शिकागो में नई बाउहॉस में दृश्य संचार विभाग। 3 एचएफजी उल्म में, मुख्य रूप से यातायात संचार प्रणाली, तकनीकी उपकरणों की योजना, या वैज्ञानिक सामग्री के दृश्य अनुवाद जैसे क्षेत्रों में प्रेरक संचार के क्षेत्र में काम करने का निर्णय लिया गया। उस समय तक किसी अन्य यूरोपीय स्कूल में इन क्षेत्रों को व्यवस्थित रूप से नहीं पढ़ाया गया था। 70 के दशक की शुरुआत में, बुंड डॉयचर ग्राफिक-डिज़ाइनर (एसोसिएशन ऑफ़ जर्मन ग्राफिक डिज़ाइनर) के सदस्यों ने अपनी पेशेवर पहचान की कई विशेषताओं का खुलासा किया, जैसा कि दूसरों के बीच एंटोन स्टैनकोव्स्की के मामले में है। जबकि 1962 में पेशे की आधिकारिक परिभाषा लगभग विशेष रूप से विज्ञापन के लिए निर्देशित की गई थी, अब संचार दृश्य 4 के क्षेत्र में स्थित क्षेत्रों को शामिल करने के लिए विस्तारित किया गया था। एचएफजी उल्म के विकास समूह 5 द्वारा उत्पादित कॉर्पोरेट चित्र जैसे कि फर्म के लिए बनाए गए। ब्रॉन या एयरलाइन लुफ्थांसा भी इस नई पेशेवर पहचान के लिए महत्वपूर्ण थे।

गुई बोन्सीपे और टॉमस माल्डोनाडो ऐसे पहले लोगों में से दो थे जिन्होंने शब्द विचारों को शब्दार्थ से लागू करने की कोशिश की। 1956 में एचएफजी उल्म में आयोजित एक सेमिनार में, माल्डोनाडो ने अनुनय की शास्त्रीय कला को आधुनिक बनाने का प्रस्ताव रखा। माल्डोनैडो बोन्सीपे और फिर अपरकेस इंग्लिश पब्लिकेशन और उलम पत्रिका के लिए लाक्षणिकता और बयानबाजी पर कई लेख लिखे जो उस क्षेत्र के डिजाइनरों के लिए एक महत्वपूर्ण संसाधन होंगे। बोन्सीप ने सुझाव दिया कि विज्ञापन की घटनाओं का वर्णन करने और उनका विश्लेषण करने के लिए एक बयानबाजी के रूप में आधुनिक, बयानबाजी की आधुनिक प्रणाली होना आवश्यक है। इस शब्दावली का उपयोग, एक संदेश publicitario.5 की “सर्वव्यापी संरचना” को उजागर कर सकता है

सादगी और अच्छी डिजाइन सुविधा के विचार ने इसे कई वर्षों तक जारी रखा, न केवल वर्णमाला के डिजाइन में बल्कि अन्य क्षेत्रों में भी। 1950 के दशक में डिजाइन के मामले में सभी साधनों को प्रभावित करने की सरल करने की प्रवृत्ति। उस समय, एक आम सहमति विकसित हुई कि सरल, न केवल अच्छे के बराबर था, बल्कि अधिक पठनीय समकक्ष भी था। सबसे कठिन क्षेत्रों में से एक प्रतीकों का डिजाइन था। डिजाइनरों ने सवाल उठाया कि बिना इसके सूचनात्मक कार्य को नष्ट किए उन्हें कैसे सरल बनाया जा सकता है। हालांकि, हाल की जांच से पता चला है कि केवल एक प्रतीक का आकार सरलीकरण जरूरी पठनीयता नहीं बढ़ाता है।

दूसरा ग्राफिक डिजाइन

शोभायमान बढ़ती ग्राफिक डिजाइन के लिए प्रतिक्रिया धीमी थी लेकिन अनुभवहीन थी। उत्तर आधुनिक फोंट की उत्पत्ति पचास के दशक के मानवतावादी आंदोलन में हुई। इस समूह में हरमन ज़ेफ़ पर प्रकाश डाला गया, जिन्होंने आज दो प्रकार के सर्वव्यापी पालतिनो (1948) और सर्वश्रेष्ठ (1952) को डिजाइन किया। सेरिफ़ फोंट और सेन्स सेरिफ़ के बीच की रेखा को धुंधला करना और गीत में कार्बनिक लाइनों को फिर से प्रस्तुत करना, इन डिज़ाइनों ने उसके खिलाफ विद्रोह करने के लिए आधुनिक आंदोलन की पुष्टि करने के लिए अधिक सेवा की।

एक महत्वपूर्ण मील का पत्थर मैनिफेस्टो का प्रकाशन था, पहली चीजें पहले (1964), जो ग्राफिक डिजाइन के अधिक कट्टरपंथी रूप के लिए एक कॉल था, श्रृंखला में डिजाइन के विचार की आलोचना करते हुए बेकार। ग्राफिक डिजाइनरों की एक नई पीढ़ी पर उनका व्यापक प्रभाव था, जो एमिग्रे पत्रिका जैसे प्रकाशनों के उद्भव में योगदान करते थे।

बीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध के एक और उल्लेखनीय डिजाइनर मिल्टन ग्लेसर हैं, जिन्होंने अचूक आई लव एनवाई अभियान (1973), और एक प्रसिद्ध बॉब डायलन पोस्टर (1968) डिजाइन किया। ग्लेसर ने साठ और सत्तर के दशक की लोकप्रिय संस्कृति के तत्वों को लिया।

बीसवीं सदी की शुरुआत में फोटोग्राफी और मुद्रण में तकनीकी प्रगति से दृढ़ता से प्रेरित थे। सदी के अंतिम दशक में, प्रौद्योगिकी ने एक समान भूमिका निभाई, लेकिन इस बार यह कंप्यूटर था। सबसे पहले यह एक कदम पीछे था। ज़ुज़ाना लिको ने कंप्यूटर का उपयोग जल्द ही रचनाओं के लिए करना शुरू कर दिया, जब किलोबाइट्स में कंप्यूटर मेमोरी को मापा गया और डॉट्स के साथ टाइपफेस बनाए गए। वह और उनके पति, रूडी वेंडरलैन्स ने अग्रणी एमिग्रे पत्रिका और उसी नाम की टाइप फाउंड्री की स्थापना की। उन्होंने कंप्यूटर की असाधारण सीमाओं के साथ खेला, एक महान रचनात्मक शक्ति को जारी किया। एमिग्रे पत्रिका डिजिटल डिजाइन की बाइबिल बन गई।

डेविड कार्सन, संयम संयम और आधुनिक डिजाइन के खिलाफ आंदोलन की परिणति है। रेगन पत्रिका के लिए उनके कुछ डिजाइन जानबूझकर अवैध हैं, जिन्हें साहित्यिक अनुभवों की तुलना में अधिक दृश्य बनाया गया है।

वर्तमान समय ग्राफिक डिजाइन

आज, ग्राफिक डिज़ाइनरों के बहुत से काम डिजिटल टूल द्वारा सहायता प्रदान करते हैं। कंप्यूटरों की वजह से ग्राफिक डिज़ाइन बहुत बदल गया है। 1984 से, पहले डेस्कटॉप प्रकाशन प्रणालियों की उपस्थिति के साथ, व्यक्तिगत कंप्यूटरों ने धीरे-धीरे डिजिटल सिस्टम के लिए प्रकृति तकनीकी प्रक्रियाओं में सभी एनालॉग को बदल दिया। इस प्रकार कंप्यूटर अपरिहार्य उपकरण बन गए हैं और हाइपरटेक्स्ट और वेब के आगमन के साथ, इसके कार्यों को संचार के साधन के रूप में बढ़ाया गया है। इसके अलावा, प्रौद्योगिकी को दूरसंचार के उदय के साथ भी नोट किया गया है और विशेष भीड़ सोर्सिंग ने काम की व्यवस्था में हस्तक्षेप करना शुरू कर दिया है। इस परिवर्तन ने समय, गति और अन्तरक्रियाशीलता को प्रतिबिंबित करने की आवश्यकता को बढ़ा दिया है। फिर भी, डिजाइन के पेशेवर अभ्यास में आवश्यक परिवर्तन नहीं हुए हैं। जबकि उत्पादन के रूप बदल गए हैं और संचार चैनल बढ़ा दिए गए हैं, मौलिक अवधारणाएं जो हमें मानव संचार को समझने की अनुमति देती हैं, वही बनी हुई हैं।

नौकरी प्रदर्शन और कौशल में ग्राफिक डिजाइन

डिजाइन करने की क्षमता जन्मजात नहीं है, लेकिन अभ्यास और प्रतिबिंब के माध्यम से हासिल की गई है। फिर भी, यह एक विकल्प है, एक बात संभावित। इस शक्ति का दोहन करने के लिए शिक्षा और अभ्यास जारी रखना आवश्यक है, क्योंकि अंतर्ज्ञान द्वारा हासिल करना बहुत मुश्किल है। ग्राफिक डिजाइनर नौकरी के प्रदर्शन के लिए रचनात्मकता, नवीनता और पार्श्व सोच प्रमुख कौशल हैं। डिजाइन में रचनात्मकता संदर्भ के स्थापित फ्रेम के भीतर मौजूद है, लेकिन किसी भी चीज़ से अधिक, प्रतीत होता है कि अंतरंग समस्याओं के लिए अप्रत्याशित समाधान खोजने के लिए एक संवर्धित कौशल है। यह उच्चतम स्तर और गुणवत्ता के डिजाइन कार्य में अनुवाद करता है। रचनात्मक अधिनियम डिजाइन प्रक्रिया प्रबंधक का मूल है लेकिन रचनात्मकता स्वयं डिजाइन का कार्य नहीं है। हालांकि, रचनात्मकता अनन्य ग्राफिक्स प्रदर्शन और कोई पेशा नहीं है, हालांकि डिजाइन कार्य के उचित प्रदर्शन के लिए यह बिल्कुल आवश्यक है।

संचार की प्रक्रिया में ग्राफिक डिजाइनर की भूमिका एनकोडर या दुभाषिया है जो दृश्य संदेशों की व्याख्या, संगठन और प्रस्तुति में काम करता है। प्रपत्र के प्रति उसकी संवेदनशीलता सामग्री के प्रति उसकी संवेदनशीलता के समानांतर होनी चाहिए। यह कार्य संचार के नियोजन और संरचना से संबंधित है, इसके उत्पादन और मूल्यांकन के साथ। डिजाइन का काम हमेशा ग्राहक की मांग, मांग पर आधारित होता है जो अंततः भाषाई रूप से या लिखित रूप से स्थापित होता है। इसका मतलब है कि ग्राफिक डिज़ाइन एक दृश्य प्रदर्शन में एक भाषाई संदेश को बदल देता है

पेशेवर ग्राफिक डिजाइन शायद ही कभी अशाब्दिक संदेशों के साथ काम करता है। कई बार यह शब्द संक्षिप्त रूप में प्रकट होता है, और अन्य ग्रंथों में यह जटिल दिखाई देता है। संपादक कई मामलों में संचार टीम का एक आवश्यक सदस्य है।

डिज़ाइन गतिविधि में अक्सर पेशेवरों की एक टीम की भागीदारी की आवश्यकता होती है, जैसे कि फ़ोटोग्राफ़र, चित्रकार, तकनीकी चित्रकार, कम दृश्य दृश्य से संबंधित पेशेवरों सहित। डिजाइनर अक्सर विभिन्न विषयों के समन्वयक होते हैं जो दृश्य संदेश के उत्पादन में योगदान करते हैं। इस प्रकार, अपने अनुसंधान, डिजाइन और उत्पादन का समन्वय करता है, विभिन्न परियोजनाओं की आवश्यकताओं के अनुसार सूचना या विशेषज्ञों का उपयोग करता है।

ग्राफिक डिजाइन अंतःविषय है और इसलिए डिजाइनर को फोटोग्राफी, फ्रीहैंड ड्राइंग, तकनीकी ड्राइंग, वर्णनात्मक ज्यामिति, धारणा के मनोविज्ञान, गेस्टाल्ट मनोविज्ञान, अर्धज्ञान, टाइपोग्राफी, प्रौद्योगिकी और संचार जैसी अन्य गतिविधियों का ज्ञान होना चाहिए।

पेशेवर ग्राफिक डिजाइन एक दृश्य संचार विशेषज्ञ है और उसका काम संचार प्रक्रिया के सभी चरणों से संबंधित है, इस संदर्भ में, दृश्य वस्तु बनाने की क्रिया उस प्रक्रिया का केवल एक पहलू है। इस प्रक्रिया में निम्नलिखित शामिल हैं:

समस्या को परिभाषित करना।

लक्ष्य निर्धारण।

संचार रणनीति की अवधारणा।

प्रदर्शन।

शेड्यूल प्रोडक्शन।

निगरानी उत्पादन।

मूल्यांकन।

इस प्रक्रिया के लिए इन क्षेत्रों के अंतरंग ज्ञान का अधिकारी होना आवश्यक है:

दृश्य संचार।

संचार।

दृश्य बोध।

वित्तीय और मानव संसाधनों का प्रबंधन।

प्रौद्योगिकी।

मीडिया।

मूल्यांकन तकनीक।

ग्राफिक डिजाइन के चार मार्गदर्शक सिद्धांत

ग्राफिक डिजाइन के चार मार्गदर्शक सिद्धांत वे चर हैं जिन्हें ग्राफिक डिजाइन पेशेवर को एक परियोजना का सामना करते समय विचार करना चाहिए, ये हैं:

द इंडिविजुअल: की परिकल्पना नैतिक और सौंदर्यवादी इकाई के रूप में की गई है जो समाज को एकीकृत करती है जो कि हिस्सा है और जिसे दृश्य स्थान एक समान, निरंतर और जुड़ा हुआ है।

लाभ: क्योंकि यह सूचना की आवश्यकता पर प्रतिक्रिया करता है और यह संचार है।

वातावरण: क्योंकि इसमें मानव आवास की संरचना और अर्थ को समझने के लिए निवास के सामंजस्य में योगदान करने के लिए भौतिक वास्तविकता का ज्ञान, और अन्य संदर्भों की वास्तविकता की आवश्यकता होती है।

अर्थव्यवस्था: यह लागत के अध्ययन और तत्वों के कार्यान्वयन के लिए प्रक्रियाओं और सामग्रियों को सुव्यवस्थित करने से संबंधित सभी पहलुओं को समाहित करता है।

Advantages of Hiring a Professional for Book Cover Design Services Cover of a book makes the primary impression on its potential readers and decides their span

Why should you Hire a Professional Designer for a Book Cover Design ?

Advantages of Hiring a Professional for Book Cover Design Services

Cover of a book makes the primary impression on its potential readers and decides their span on the book and even the acquisition decision. A good cover is a crucial marketing tool but if done unprofessionally it may result within the direct loss of sales. This is why an honest book cover is extremely important for a writer because it can significantly influence the success or failure of the book. If an author opts for self-publishing he also has to pay attention to another very important aspect of the book i.e. covers design.

If a Writer decides to design the cover of his work on his own it may not be enough and workable, Amidst several others professionally designed books. This is where professional book cover design agencies can help the author as they need a talented pool of graphic designers with the proper knowledge and knowledge to style an appealing cover. They use the newest IT tools to customize your book cover by various illustrations, graphics, and pictures to offer it a singular look.

Magazine Cover Design By : Tajulislam .cl

Before zeroing in on a professional design agency a writer should check out the following points.

  1. diary – Ask the planning firm about their diary designing similar in your specific sub-genre. One should even have a glance at their portfolio and also do some reference check.
  1. Process orientation – Ask inquiries to the potential design company regarding the method or methodology for designing the duvet . A good design company would research your genre, access image libraries and closely pay attention to your creative brief.
  1. Customization – inspect the extent of customization that the book cover design firm offers for your work. Fetching images from image libraries though could also be cost-effective but could also be employed by others too which won’t give your design exclusivity.

  1. Payment structure – Look out for the fee and payment structure part that the design company charges, some may require payment prior to the beginning of any design work while others may have some other payment structure. Be sure that you simply are comfortable with the payment structure before the beginning of any work.
  1. Delivery – Most design companies will send you a high-resolution PDF or JPG file of the ultimate design. Do ask them for In-design or Photoshop file if you would like the pliability to tweak book cover within the future.
  1. Turnaround time- inspect the turnaround of the canopy design partner especially if you’ve got tight deadlines. Make sure that the planning company is investing the required amount of your time and energy into making your book cover stand out.

Some of the benefits of hiring a professional book cover designer and design agency for writers are mentioned below.

Cover book design by : chadia ait sab
  1. Grab buyer’s attention – There are numerous books hitting the stores every week but the ones that stand out and grab maximum eyeballs have a catchy book cover. The cover should be ok to influence the reader and capture the theme of the story without revealing an excessive amount of them.
  1. Professional team – an honest design service provider will provide you with a competent team with knowledge of history, typography, color theory, and graphic arts to make a singular book cover for you. They have experienced graphic designers to add stylish graphics using various IT tools for design to make your book standout in-crowd.
  1. Keeps the binding together – Books are placed on the bookshelf; while readers are able to only see the spine of the book. A creative and quality design can make readers interested along with keeping the edges of the book intact.

  1. Product packaging – Books aren’t sold during a box but their cover itself may be a built-in wrapper that does all the marketing while on the shelf. By choosing a knowledgeable book cover design company one can enhance the marketing aspect of the book through the duvet design and attract potential readers.
  1. Cost-effective – Professional cover design agencies are also very cost-effective when compared to hiring an independent freelancer or self-designing. As there’s no setup cost involved and no IT hardware or software must be bought, outsourcing the duvet design becomes far more cost-effective.

Here you can download some mockup of book design :

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What are the rules to be followed for digital painting

Gone are the times when artists spent months or maybe years during a paint-splattered studio, applying deft brush strokes on a canvas. Now, like most things creative during this world, even painting goes digital. All an artist must create fascinating works of art now’s knowledge about the nitty-gritty of painting and proficiency in using specific software.

The artistically inclined few in the college-going crowd, which is not any stranger to computers and therefore the digital world, have found in digital art a way to explore their creative side. Some students of graphic design and web development: “It expands my creative boundaries and that he draws whatever interests.

The students use specific software to make their artworks. The benchmark for such software may be a realistic painting experience, during which you’ll choose the tactic (watercolour, oil, acrylic, airbrush, etc) and therefore the brushes. One of the foremost popular softwares in use is the Corel Painter, which boasts of quite 700 brushes, alongside a good sort of painting options. PostworkShop is another software that gives an outsized selection of brushes alongside many customization tools then is Autodesk SketchBook Pro. Among the opposite of-used software are Pixarra TwistedBrush and ArtRage Studio Pro 3.5, which also provide a good sort of creative options to artists, Adobe Photoshop which provides brush stroke and color.

Digital painting is quite tricky. You get the right software and that is it, you’ll start painting. Every tool, even the foremost powerful one, is within your reach. All the colours are able to be used, no mixing needed. If you’ve just converted to Photoshop from traditional painting, it’s not that hard; you only need to find the counterparts of your favorite tools. But if you are a beginner in both sorts of art, the beginning may be a nightmare—the one during which you are not aware you’re dreaming!

1. Paint from Dark to Light

Paint-from-Dark-to-Light
Image By Coral village

In most cases you want your darks relatively dark and fairly transparent. Any addition of white to this will sully your darks, making them look cloudy or chalky. The longer you can keep out the white, the fresher the painting will look. It’s also easier to lighten a colour than to darken a colour. That rule alone should tell you to paint from dark to light. There are times, however, that call for the reversal of this rule…

If your darks comprise less than 10% of the light area surrounding it, then you can put them in on top of the lights. For example: If you are painting a snow covered mountain and there are a few dark rocks that need to be painted in the snow, you can carefully add them after the light has been placed. The same holds true for ground shadows. If there are only a few small patches of dark shadows in a lit area, you can paint them in afterwards.

It’s nearly impossible to paint the light around these small darks and given their small size, they are quite easily placed on top of the light. Just be sure to clean your brush after each daub or your dark will quickly turn to a muddy mid-tone.

2. Never Use Black

Never Use Black
Image By Tpwing

You’ll often hear artists say that you shouldn’t use pre-mixed tubes of black paint, such as Ivory Black or Mars Black, and in general that’s grand advice. Black pigments (being so opaque) can make your paintings look flat, especially if you use the black to darken other colours. Any time you can, you should mix your darks (ex. Ultramarine and Burnt Sienna, Ultramarine and Quinacridone Rose, Viridian and Alizarin). You’ll often end up with a more vibrant painting if you mix your blacks from combinations of other colours rather than relying on black.

Breaking the rule: Recently, Gamblin introduced Chromatic Black into it’s arsenal of colours. Chromatic Black is the first black made that is transparent. This transparency allows you to mix black into colour combinations and grey them down without turning them into a dull mess. Chromatic Black is fairly weak so you can use it handily without fear. It’s my new favourite colour!

3. Warm Light, Cool Shadows (and vice versa)

Warm Light, Cool Shadows
Image BY Martith

This is one of the hard and fast rules you can usually count on. If the sunshine source is warm, then the shadows are going to be cool, and if the sunshine source is cool, then the shadows are going to be warm.

When to break this rule:

When you have a lot of reflections involved, the light will bounce around affecting the shadows because what the light is bouncing off of will change it’s core temperature. A still life that is sitting on a bright red fabric may have a warm light source but may also have a warm shadow. Highly reflective objects like silver and brass can also greatly change this rule. When light is travelling through a transparent substance like water, things can also get a bit screwy. Make sure you assess the scene accurately and paint what you’re actually seeing, even if it seems to go against the rule you’re familiar with.

4. The Rule of Thirds

The Rule of Thirds
Image By BY Robaato

The rule of thirds is a compositional device whereby you divide your painting surface into three equal sections, both horizontally and vertically, and place your focal point at any one of the intersecting points. This device is used to produce a more pleasing and interesting composition than if you placed your focal point, say, dead centre or too close to the edge of the painting.

When to break this rule:

Using the rule of thirds to help place the elements of your paintings is not a bad practice in general, and is good to follow if you’re struggling with composition. However, if you rely on it too often, your work may become formulaic and predictable, so it’s a good idea to shake things up from time to time by experimenting with unusual compositions. Edgar Payne’s book “The Composition of Outdoor Painting” is a must read for anyone trying to enhance their design skills. Sometimes a non-standard composition could be exactly what your painting needs, so don’t be afraid to push the boundaries if you think that it’ll work.

5. Warm Colours Advance, Cool Colours Recede

Warm-Colours-Advance,-Cool-Colours-Recede
Image By:  TsaoShin

It’s a widely held belief that if you want something to appear closer, you should paint it warmer, and if you want something to recede into the distance you should paint it cooler. Again, there is truth to this, but it’s not a hard and fast rule. I think this rule comes from the fact that in a landscape scene, the objects in the distance are filtered through more veils of atmosphere, and certain colours are filtered out of our vision. The first colours to be filtered out are the warm oranges, reds and yellows, so the distant objects appear more blue, as well as less saturated. So this rule mainly applies for landscapes during daylight.

When to break this rule:

Break this rule during lighting conditions such as sun rises and sunsets. Night scenes and nocturnes can throw out this rule as well. Also anything with indoor or artificial lighting, where you can have very warm colours in the distance, and cool colours in the foreground. Remember – paint what you’re seeing!

6. Only paint in good light.

Only paint in good light.
Image By:  Vyrosk

Up until a few years ago this was a steadfast rule. Painting in good light, such as the Golden Hour, makes your job so much easier. This is true, especially when taking photographs for painting reference, but here is why you should consider braking this rule…

Reflected light can make a painting sing, and the stronger the light source, the more reflected light you will have. This makes painting in the bright sunny noonday sun a bonus. It’s a challenge that comes with great benefits. Just ask artists like Matt Smith or Lori Putnam what wonderful things can be painted in the middle of the day if you look hard enough.

7. Bad Reference = Bad Painting

Bad Painting
Image By:  breath-art

For the most part I hold this rule to be true, but pay attention to what you actually need in a good reference photo. Mother nature, in all her glory, is rarely kind to us artists. Even a good photo will need a few tweaks to perk it up and sometimes there is gold in what might be considered a “bad” photo. Ask yourself: What is making this photo bad? No lights? Too dark or monochromatic? Too much going on? No centre of interest? … And consider this… Low light actually presents great design opportunities! Monochromatic photos may present a chance to bring out the nuances of a colour and make it sing! No centre of interest lets you become the author of your own story! Dig deep and you might find treasure in a bad reference photo.

8. Fast and furious at the beginning

Fast-and-furious-at-the-beginning
Image By: gypcg

This is another one of those rules I hold close to my heart. I follow it almost religiously. However, there are times when this rule needs to be broken. More often than not near the end of the painting when things are not working and certain passages have been painted, re-painted and re-re-painted and still things won’t work, one needs to stop and re-examine. The culprit could be the delicate touch and overthinking. If that is the case, all your painting needs is some good fast lickin’ with a big brush and thick paint. Less thinking and more doing.

9. Always paint your sky last.

Always paint your sky last.
Image By:  BisBiswas

This is a good rule for outdoor painting and painting on a white canvas. Given that you should key your paintings to the sky, which is almost always the lightest value in a landscape painting, then the white of the canvas should suffice to be the right value to start out with. With the sky in place you just need to place your darks to set up your value keys correctly. On a toned canvas, however, this method isn’t always the best, especially if your toning is a medium light to mid-value tone or a darker toning. This darker value in the sky can throw all your other values out of whack. In that case, scrub some light value of a colour in the sky to correctly establish the value relationships. This is also true in some mountain paintings where you may want to drop the sky’s value to make the snow pop a bit more. Rule broken.

10 Avoiding Strong Contrast

Avoiding Strong Contrast
Image By:  Chibionpu

Of course, sometimes your perception of bright and dark could also be disturbed by the poor quality of your screen. If you employ a laptop, you’ve probably noticed how the contrast changes once you check out your picture from an angle. How are you able to achieve a correct contrast that everybody will see as proper, regardless of what screens they use?
Even if your screen is sweet , after that specialize in an image for an extended time your perception isn’t undisturbed either. If you modify shades slightly step by step, that contrast could seem good only because it’s better than five steps before. the thing below may look nice until you compare it to an object with a stronger contrast. And who knows, maybe if you compared the opposite one to a different , its perceived contrast would automatically drop?

What is photo manipulation

What is photo manipulation?

Photo manipulation involves transforming or altering a photograph using various methods and techniques to realize desired results. Some photo manipulations are considered skillful artwork while others are frowned upon as unethical practices, especially when used to deceive the overall public . Other examples include getting used for political propaganda, or to form a product or person look better, or just for entertainment purposes or harmless pranks.

Depending on the appliance and intent, some photo manipulations are considered a kind because it involves the creation of unique images and in some instances, signature expressions of art by photographic artists.

For example, Photo manipulation includes retouching photographs using ink or paint, airbrushing, double exposure, piecing photos or negatives together within the darkroom, scratching instant films, or through the use of software-based manipulation tools applied to digital images.

There are sort of software applications available for digital image manipulation, ranging from professional applications to very basic imaging software like Adobe Photoshop for casual users.

Political and ethical issues


Image By: Daniela Cristina

Photo manipulation has been wont to deceive or persuade viewers or improve storytelling and self-expression. Often even subtle and discreet changes can have a profound impact on how we interpret or judge a photograph, making it all the more important to understand when or if manipulation has occurred.

Use in journalism


Image By: Emi Haze

A notable incident of controversial photo manipulation occurred over a photograph that was altered to suit the vertical orientation of a magazine cover.

Use in fashion


Image By: Leonardo Baldini

The photo manipulation industry has often been accused of promoting or inciting a distorted and unrealistic image of self; most specifically in younger people. The world of glamour photography is one specific industry which has been heavily involved the utilization of photo manipulation

In social media


Image By: Multiple Owners

Not only are photos being manipulated by professionals for the media, but also with the rise of social media everyone has easy access to edit photos they post online. Countless apps such as Facetune have been created to allow smartphone user tools to modify personal images.

These apps allow people to edit virtually every aspect within the photo that specialize in the face and body represented. With social media users and the younger generation being exposed to an extreme amount of imagery that has been manipulated the consequences have a negative impact as body ideals are unachievable. Social media has the opportunity to be used as a platform for promoting healthy body image and unedited photos; the need for approval over social media has to be altered in the near future.

In advertising


Image By: Vanessa Rivera

Photo manipulation has been utilized in advertisements for Tv commercials and magazines to form their products or the person looks better and more appealing than how they appear actually . Some tricks that are used with photo manipulation for advertising are: fake grill marks with eye-liner, using white glue rather than milk, or using deodorant to form vegetables look glossy.

Celebrity opposition


Image By: Multiple Owners

Photo manipulation has triggered negative responses from both viewers and celebrities. This has led to celebrities refusing to have their photos retouched in support of the American Medical Association that has decided that ” must stop exposing impressionable children and teenagers to advertisements portraying models with body types only attainable with the assistance of photo editing software” These include

Corporate opposition


Image By: Multiple Owners

Multiple companies have begun taking the initiative to talk out against the utilization of photo manipulation when advertising their products. Two companies that have done so include Dove and Aerie. Dove created the Dove Self-Esteem Fund and also the Dove Campaign for Real Beauty as a way to try to help build confidence in young women. They want to emphasize what is known as real beauty, or untouched photographs, in the media now. Also, Aerie has started their campaign AerieREAL. They have a line of undergarments now that goes by that name with the intention of them being for everyone.[48] Also, their advertisements state that the model has not been retouched in any way. They also add in their advertisements that “The real you is sexy

Government opposition


Image By: behance.net

Governments are exerting pressure on advertisers, and are beginning to ban photos that are too airbrushed and edited. In the uk the Advertising Standards Authority has banned a billboard by Lancôme featuring Julia Roberts for being misleading, stating that the flawless skin seen within the photo was too good to be true.The US is additionally occupation the direction of banning excessive photo manipulation where a CoverGirl model’s ad was banned because it had exaggerated effects, leading to a misleading representation of the product.

Support


Image By: Bee Johnson

Some editors of magazine companies don’t view manipulating their cover models as a problem . In an interview with the editor of the French magazine Marie Claire, she stated that their readers aren’t idiots which they will tell when a model has been retouched. Also, some who support photo manipulation within the media state that the altered photographs aren’t the difficulty , but that it’s the expectations that viewers have that they fail to meet, such as wanting to have the same body as a celebrity on the cover of their favorite magazine.

Opinion polling


Image By: Joseph Kiely

Surveys are done to ascertain how photo manipulation affects society and to ascertain what society thinks of it. One survey was done by a fashion store in the United Kingdom, New Look, and it showed that 90% of the individuals surveyed would prefer seeing a wider variety of body shapes in media. This would involve them eager to see cover models that aren’t all thin, but some with more curves than others. The survey also talked about how readers view the utilization of photo manipulation. One statistic stated that 15% of the readers believed that the cover images are accurate depictions of the model in reality. Also, they found that 33% of women who were surveyed are aiming for a body that is impossible for them to attain.

Social and cultural implications


Image By: Mdarwany

The growing popularity of image manipulation has raised concern on whether it allows for unrealistic images to be portrayed to the general public . In her article “On Photography” (1977), Sontag discusses the objectivity, or lack thereof, in photography, concluding that “photographs, which twiddle the size of the planet , themselves get reduced, blown up, cropped, retouched, doctored and tricked out”. A practice widely utilized in the magazine industry, the utilization of photo manipulation on an already subjective photograph, creates a constructed reality for the individual and it can become difficult to differentiate fact from fiction. With the potential to change body image, debate continues on whether manipulated images, particularly those in magazines, contribute to self-esteem issues in both men and ladies .

What is Interaction Design?

Interaction design is a crucial component within the enormous umbrella of user experience (UX) design. In this article, we’ll explain what interaction design is, some useful models of interaction design, also as briefly describe what an interaction designer usually does.

A simple and useful understanding of interaction design

Interaction design is often understood in simple (but not simplified) terms: it’s the planning of the interaction between users and products. Most often when people mention interaction design, the products tend to be software products like apps or websites. The goal of interaction design is to make products that enable the user to realize their objective(s) within the best way possible.

If this definition sounds broad, that’s because the sector is quite broad: the interaction between a user and a product often involves elements like aesthetics, motion, sound, space, and lots of more. And in fact , each of those elements can involve even more specialized fields, like sound design for the crafting of sounds utilized in user interactions.

As you would possibly already realise, there’s an enormous overlap between interaction design and UX design. After all, UX design is about shaping the experience of employing a product, and most parts of that have involved some interaction between the user and therefore the product. But UX design is quite interaction design: it also involves user research (finding out who the users are within the first place), creating user personas (why, and under what conditions, would they use the product), performing user testing and usefulness testing, etc.

The 5 Extension of interaction design

May be a useful model to know what interaction design involves. Gillian Crampton Smith, an interaction design academic, first introduced the concept of 4 dimensions of an interaction design language, to which Kevin Silver, senior interaction designer at IDEX Laboratories, added the fifth.

1.Extension : Words

Words—especially those used in interactions, like button labels—should be meaningful and simple to understand. They should communicate information to users, but not an excessive amount of information to overwhelm the user.

2 Extension: Visual representations

This concerns graphical elements like images, typography and icons that users interact with. These usually supplement the words wont to communicate information to users.

3 Extension: Physical objects or space

Through what physical objects do users interact with the product? A laptop, with a mouse or touchpad? Or a smartphone, with the user’s fingers? And within what quite physical space does the user do so? For instance, is that the user standing during a crowded train while using the app on a smartphone, or sitting on a desk within the office surfing the website? These all affect the interaction between the user and therefore the product.

4 Extension: Time

While this dimension sounds a touch abstract, it mostly refers to media that changes with time (animation, videos, sounds). Motion and sounds play an important role in giving visual and audio feedback to users’ interactions. Also of concern is that the amount of your time a user spends interacting with the product: can users track their progress, or resume their interaction a while later?

5 Extension: Behaviour

This includes the mechanism of a product: how do users perform actions on the website? How do users operate the product? In other words, it’s how the previous dimensions define the interactions of a product. It also includes the reactions—for instance emotional responses or feedback—of users and therefore the product.

See how 5 Extension of interaction design close within the animation below:

The questions interaction designers Think

How do interaction designers work with the 5 dimensions above to make meaningful interactions? To get an understanding of that, we can look at some important questions interaction designers ask when designing for users, as provided by Usability.gov(2):

What can a user do with their mouse, finger, or stylus to directly interact with the interface? This helps us define the possible user interactions with the product.

What about the looks (colour, shape, size, etc.) gives the user a clue about how it’s going to function? This helps us give users clues about what behaviours are possible.

Do error messages provide how for the user to correct the matter or explain why the error occurred? This lets us anticipate and mitigate errors.

What feedback does a user get once an action is performed? This allows us to ensure that the system provides feedback in a reasonable time after user actions.

Are the interface elements an inexpensive size to interact with? Questions like this helps us think strategically about each element used in the product.

Are familiar or standard formats used? Standard elements and formats are wont to simplify and enhance the learnability of a product.

So what do interaction designers do?

Well, it depends.

For instance, if the corporation is large enough and has huge resources, it’d have separate jobs for UX designers and interaction designers. In a large design team, there could be a UX researcher, an information architect, an interaction designer, and a visible designer, as an example . But for smaller companies and teams, most of the UX design jobs could be done by 1-2 people, who might or won’t have the title of “Interaction Designer”. In any case, here are a number of the tasks interaction designers handle in their daily work:

Design strategy

This is concerned with what the goal(s) of a user are, and successively what interactions are necessary to realize these goals. Depending on the corporate , interaction designers may need to conduct user research to seek out what the goals of the users are before creating a technique that translates that into interactions.

Wireframes and prototypes

This again depends on the work description of the corporate , but most interaction designers are tasked to make wireframes that lay out the interactions within the product. Sometimes, interaction designers may additionally create interactive prototypes and/or high-fidelity prototypes that look exactly just like the actual app or website.

Diving deeper into interaction design

If you’re interested in seeking out more about interaction design, you’ll read Interaction Design – brief intro by Jonas Lowgren, which is a component of our Encyclopedia of Human-Computer Interaction. It provides an authoritative introduction to the field, as well as other references where you can learn more.

14 Best Android Frameworks for App Development in 2019

Android UI Design and Development Frameworks in 2020

In recent years, many software professionals have changed their field and tried to get absorbed in the most rapidly growing field of Android application development to contribute to its success and to get some benefits from it. Developing applications in Android requires one to have strong market understanding and creative thinking. Most important thing in Android application development is the design and presentation of the application you create.

It is very crucial to have the most appealing and attractive UI of your Android app. A better user interface of your Android app can offer high quality representation of your app, which helps to get higher ratings and reviews from stores. This leads to a better ranking of your app and at the end you get maximum downloads of your application. This article is aimed to provide some essential guidelines for Android UI design which will help to improve the appearance of your app.

Always follow UI guidelines provided by Android and try to implement some of them in your Android app.

Identify the type of users you are planning to target through your app! It is a very crucial thing to first know what your user wants, expects and likes. Just keep user at centre once you design UI.

Try to include most suitable graphics size and formats! It is very essential to make balance between graphic size and your mobile device screen size.

Always try to show core functionalities or operations of the app which are easily locatable and available. Other additional operations could be incorporated into different menus.

Always think from the user’s point of view and use the most suitable and appealing color combination which can help your users to use your app anytime they wish. Sometimes developers often choose color combination which is not easily recognizable during sunny day, try to use color combination to enhance user experience.

Try to make your UI design slick by adding rounded corners in it rather than using traditional harsh rectangles.

Always incorporate font’s styles and sizes which are easy to read and recognize by the user of your Android app. Just try to include fonts which are easy to read by the user, it will help them to use your app easily.

Use different shades or colors for different actions on each UI element or components.

Test, test and test! Try your application UI design for each worst scenario which users can opt for!

Best Android App Development Framework: Games Development

Unity

 

Unity

Best Frameworks For Android Development: High Performance

Kotlin
Kotlin

Corona SDK
Corona SDK

Sencha Touch
Sencha Touch

 

TheAppBuilder
TheAppBuilder

 

SproutCore
SproutCore

Best Android Frameworks: Native Apps Development

React Native</a
React Native

 

Xamarin
Xamarin

 

Appcelerator Titanium
Appcelerator Titanium

Best Android Frameworks: Hybrid Apps Development

Ionic
Ionic

 

Cordova
Flutter

 

PhoneGap
Phone Gape

 

NativeScript
NativeScript

So, above we see some handy but useful tips for Android UI Design. If you follow these simple tips, surely you will get your app on the top of the charts!

How to design a good cosmetic products

Tips for Good Product Design

 A good product design involves the appliance of both creativity and scientific principles. the merchandise is supposed for users and thus while designing, the designer always keeps in mind the requirements of the user. Good product design is made as long as a variety of such considerations are taken care of. During this article, we’ll be sharing a couple of them.

Every aspect of the planning must have a purpose. The designer must design the merchandise in order that it’s both useful and filled with utility. A superfluous element must only be added if it’s absolutely necessary for enhancing the visual appeal of the merchandise . The importance of all the weather must be seriously deliberated. an equivalent procedure applies for product packaging; it should be created during a manner that creates it both useful and appealing.

Design a product taking manufacturing considerations

Your designed product will eventually attend the factory and if you design a product that’s hard to manufacture within the plant then it’ll presumably be rejected. If not rejected, the manufacturing cost of the merchandise will increase significantly. Therefore, it’s important that you simply start designing your product by keeping the manufacturing process in mind. The manufacturing-friendly goal will easily be realized if you follow a number of the principles like reducing the amount of parts, designing parts that are connected to every other, keep the planning simple and multi-functional.

How to Design a food package in CorelDraw

Concentrating on product packaging

The product packaging is an integral part of the merchandise design. The failure to understand this fact results in an asymmetry between the merchandise and therefore the packaging, which snowballs into numerous problems. The packaging is the element that’s liable for introducing, protecting, and communicating the merchandise . Thus, it is often said that packaging is one among the important elements that’s guiding the customer’s choice. As are often seen, the packaging has a crucial role and thus , its designing process should even be given equal importance.

Design with the real-world in perspective

Download free cdr file of medicine box
While designing your product and packaging always keep it up reminding that both your product and packaging will eventually be converted into a real-world product. The planning might look good on the pc but it’s not necessarily work when converted to a real-world

How to increase the salary of a graphic designer

How to increase the salary of a graphic designer?

So-you’ve decided on a career as a graphic design professional. What quite money are you able to expect to form during this field? First of all, you would like to seem at what you’ll make once you enter the sector versus what you’ll earn over the lifetime of your career. Those with between three and five years of experience reported salaries ranging between $48,750 and $68,000, while graphic designers with over five years of experience earned between $61,000 and $83,250 per year.. Those graphic designers who were creative heads of departments, owned their own designing firms or were partners at designing firms enjoyed salaries of around $95,000 a year.

According to the U. S. Bureau of Labor Statistics, in May 2020 graphic designers made an overall average of $23,450 – $64,840 a year– the lowest-paid 10 percent of graphic designers earned a salary of less than $42,110 annually, while those in the highest-paid 10 percent earned more than $76,660. After considering entry-level versus experienced graphic designers, there are salary differences depending on the industry employed in. Among the five industries employing the highest numbers of graphic designers, computer systems design and related services paid the best at $47,860 yearly on average, and printing and related support activities the least at $36,100 yearly on average.

College education, specifically a degree, features a marked effect on the quantity of cash a designer can earn. A degree of Associate of Applied Science (AAS) in Graphic Design enables a designer to have a median salary of $36,074; earning a Bachelor of Fine Arts degree gives one a slighter edge of $41,260.

Where you work as a graphic design professional makes a difference in salary, too. According to the report, the average yearly salary for a graphic designer in usa:-

State Name                        Average Salary

Tennessee                             $46,500

Utah                                       $45,580

Nebraska                              $45,090

Wisconsin                             $46,190

Michigan                               $44,480

Kansas                                   $42,481

Idaho                                     $39,131

Maine                                    $42,260

South Carolina                    $39,380

Louisiana                              $41,510

West Virginia                      $36,940

Arizona                                 $41,192

New Mexico                        $40,090

Mississippi                          $36,680

Montana                              $38,770

Kentucky                             $38,717

Iowa                                      $38,560

North Dakota                     $38,710

Oklahoma                           $38,280

Wyoming                             $36,260

Alabama                              $34,763

Indiana                                 $34,024

South Dakota                     $35,120

Arkansas                              $34,012

Guam                                    $27,590

Puerto Rico                         $23,450

 

State Name                        Average Salary

New York                             $64,840

District of Columbia          $67,890

Massachusetts                    $60,530

Illinois                                  $56,890

Alaska                                   $56,300

Rhode Island                      $58,720

Georgia                                  $54,260

California                             $56,810

Virginia                               $55,560

Washingto                          $58,450

Pennsylvani                        $53,050

New Jerse                           $55,100

Marylan                               $55,230

Texas                                    $50,700

North Carolina                   $49,700

Oregon                                 $53,900

Colorado                              $50,950

Nevada                                 $49,330

Florida                                  $48,780

Connecticut                        $48,490

Minnesota                          $49,590

Hawaii                                 $47,703

New Hampshire                 $48,130

Delaware                             $46,410

Missouri                               $47,740

Ohio                                      $46,740

Vermont                              $46,830

   

 

So how does all this stack up against the average American worker? According to the 2020 findings of the United States Census Bureau, the average salary in the United States is around $81,000 a year, taking into account all types of jobs and experience. If you are a designer with a college degree who has put in several years in a large company, or has successfully created your own design business, you could meet or exceed that average. The future for designers seems to have the opportunity for growth and advancement, especially for those who consistently improve their technological skills and keep their fingers on the pulse of society’s needs and wants. For graphic designers, especially, staying power equals earning power.